ERIZARTE

eREVISTA SONIDO E ILUMINACIÓN

OSCAR GALLARDO

ERIZARTE STUDIO

Como un experimentado iluminador, director y profesional de referencia en el diseño de iluminación para conciertos, Oscar Gallardo ha estado al servicio de la industria del espectáculo durante más de tres décadas. Ha trabajado con leyendas de la música como Serrat, Sabina, Ana Belén, Pasión Vega, David Bisbal, Luz Casal, entre muchos otros. Gallardo no sólo es conocido por su contribución en la iluminación y dirección de numerosos proyectos, sino también por su papel activo como Fundador y creador de la Asociación de Autores de Iluminación.
Hola Oscar, empecemos por conocerte un poco mejor…

¿Cómo empezó tu pasión por la iluminación y cuándo supiste que querías hacer de esto tu carrera profesional?
Comencé por casualidad como seguramente la gran mayoría de los iluminadores, desde más o menos los 17 años. En aquel entonces estudiaba danza clásica y a pesar que el maestro Adolfo León quería montarme una pieza, no me sentía seguro para bailar en un escenario, así que le propuse poner la música y las luces.
Mas tarde me ofrecieron operar la iluminación a una compañía de teatro, ¨La Tartana¨ y ahí comenzó mi carrera, como técnico de iluminación, hice una gira por toda España y Europa. Más tarde participe en un curso de iluminación cuyos maestros y promotores del curso eran Juan Gómez Cornejo y Tano Astiaso, fue mi enganche definitivo en esta profesión… Ya han pasado muchos años desde ese momento, pero sigo sintiendo lo mismo cada vez que realizo un espectáculo en vivo.

¿Cuál fue el primer proyecto importante de iluminación en el que trabajaste?
¿Como técnico o como diseñador?
Como técnico la época de televisión española donde hacíamos programas de televisión como Tocata, Fin de Siglo o la Bola de Cristal. Allí estuve con uno de los que considero maestros de la luz de este país, Héctor Astruga, no escatimaba en enseñarte cosas que nos vendrían bien para el futuro. Cómo diseñador comencé haciendo pequeños trabajos y la gira de La Década Prodigiosa, que por aquella época se hacían 140 conciertos en un año. De ahí ya fue un no parar entre bandas y proyectos.

¿Cómo es el proceso desde la fase creativa hasta la ejecución y control del proceso de creación?Cuando hablamos de la fase creativa es la participación desde el principio en la creación de la idea fuerza como por ejemplo reunirme con el artista. Recuerdo en la gira pasada con Serrat, tuvimos algunas reuniones para elegir entre varios diseños el definitivo. Cuando hablamos de ejecución es la producción y búsqueda de los elementos que determinan el proyecto, mientras que, el control de la creación es el seguimiento que hay que dar en la fabricación de elementos si fuese necesario, para la realización final del proyecto. En resumidas cuentas trabajos llave en mano.

¿Cómo has visto evolucionar la industria de la iluminación en tus más de tres décadas de experiencia?
Cuando comencé echábamos un cable para cada foco, tener una manguera multipar era un lujo, lo que más difícil resulta es adaptarse a los cambios evolutivos de los equipos, la competencia entre marcas hace que salgan equipos al mercados que no están suficientemente probados y por la prisas salen con muchas faltas encima a precios desorbitados, de tal manera que las empresas y los usuarios pagan por algo que no funciona bien. Tengo una lista enorme de material que no puedo usar en mis espectáculos por qué no reúnen las condiciones de calidad.
El momento crítico de los iluminadores (sobre todo en espectáculos en vivo) fue en paso de la luz convencional a los focos móviles y con ellos las mesas más sofisticadas o mesas digitales programables como las que hay ahora en el mercado, que tienen una potencia para desarrollar un espectáculo de manera casi ilimitada.
una vez me preguntaron que si echaba de menos algún equipo del pasado y conteste que yo echo de menos a los amigos, de los equipos no echo de menos nada, ahora hay una maquinas maravillosas que te ahorran tiempo y hacen que te diviertas mucho más.

¿Hay alguna nueva tecnología que te haya enamorado recientemente?
La tecnología es solo una herramienta, no debe uno enamorarse, pues al final te quedas obsoleto, cada equipo es para que puedas desarrollar tu arte en cada una de las condiciones de un diseño, me gustan todas y me divierten todas, pero no podría olvidarme en mis riders de una buena máquina de humo.

¿Qué herramientas sueles utilizar habitualmente en tu trabajo?
La mesa que uso es la Hog 4, primero, porque es la que mejor conozco y segundo, porque mis condiciones de trabajo, iluminando en muchos países y cambiando de máquinas, en mi opinión, es la que mejor hace el Change Type, en unas pocas horas tengo mi mismo espectáculo en cualquier país del mundo. El tiempo es oro y esto es una prioridad en mi vida.

¿Podrías contarnos alguna anécdota memorable con alguno de los grandes nombres de la música con los que has trabajado?
Tengo una que merece la pena contar por su singularidad;
Estando en Ecuador con Serrat estábamos en el camerino y no suelo cenar antes del concierto, siempre lo hago después, pues bien, una vez terminado el concierto me voy al camerino y había unos espaguetis con boloñesa riquísimos, estábamos sentados en una mesa con alguno de mis compañeros, aparece un señor en una silla de ruedas y nos pregunta si nos puede acompañar, y mi respuesta fue ¡Claro siéntese! ¡Madre mía! Tierra trágame. A partir de ahí todo fueron risas, ese señor era Lenny Moreno, el Vicepresidente de Ecuador y más tarde Presidente de Ecuador, estuvimos hasta bien tarde tomando unas cervezas, contando chistes y anécdotas, fue todo un regalo.

¿Cómo describirías tu estilo de iluminación y cómo ha evolucionado a lo largo de tu carrera?Es difícil describirse uno mismo, mis Influencias son teatrales, Devlin, Leroy Bennet, Patrick Woodroffe o los españoles Juan Gómez Cornejo, Luis Perdiguero, Felipe Gallego, Nicolas Fichtel, y un par de argentinos maravillosos que se llaman Wady Rodríguez y Yamil Charif. Me gusta iluminar el escenario, que se vean bien los artistas, que la imagen y el video queden bien, creo ambientes teatrales, me gusta poco el uso de los haces de luz o beams sin sentido, las luces al público y aéreos solo en ocasiones que la canción lo permite, pero no constantemente iluminando el público. Según dicen mi iluminación sigue una línea de elegancia con una paleta de color muy personal que uso de hace años y que genera sentimientos en las canciones, hay todo un estudio de color y tratamiento de cada tema… La verdad es que para gustos los colores, así que mejor que opinen los demás de forma objetiva a ser posible.

¿Cuál ha sido el desafío más grande en tu carrera hasta ahora y cómo lo superaste?
El proyecto que estoy produciendo actualmente un espectáculo musical maravilloso, interactivo y con el fondo mapeado con las pinturas de Frida Kahlo, hemos hecho todo desde la puesta en escena, la música, el texto e imágenes que componen el espectáculo y está superado gracias a los amigos que han creído en este proyecto único y del que me siento orgulloso.

¿Qué consideras que hace una buena iluminación en un espectáculo en vivo y cómo logras ese equilibrio perfecto?
No estar por encima del artista es fundamental, imagina un guitarrista que siempre estuviese haciendo un solo, pues termina siendo pesado y aburrido, los creadores estamos al servicio del público y no aparecemos en los carteles, ni en las entradas, nadie vendría a vernos por nuestro nombre, no venderíamos una sola entrada, tenemos que enterrar el ego y disfrutar de los espectáculos compartiendo energías.
Un equilibrio perfecto suena pretencioso, pero un buen equilibrio es el que logra mantener la atención y expresa sentimientos con la luz, como he dicho en alguna ocasión, la luz es un puente de emociones, es un intérprete más en un concierto, según Juan Gómez, la luz en el teatro es un personaje más, el que crea el ambiente, el tiempo de la acción dramática, la expresión dramática y emocional, las emociones aparecen con la luz, muestra la música a la audiencia haciendo que mantenga la atención de lo que suena y que instrumento suena, tener la capacidad de hacer cantar o provocar una ovación del público. Con sabina nos pasa, que después de tan joven y tan viejo, independientemente de la interpretación magistral que hace el cantautor, el encendido de las luces de público al terminar la canción, hace que tenga una ovación de más de dos minutos, en ese instante estoy pendiente de sus gesto y si quiere que termine la ovación le apoyo bajando las luces de la audiencia, es matemático, les quitas la luz entonces se acaba la ovación.

Trabajar con diferentes artistas debe implicar diferentes necesidades y estilos, ¿Cómo te adaptas a ellos?
No creo diseños por afición , los hago siguiendo un encargo normalmente. Intento ser original y que mis diseños lo sean también, no puedes hacer las mismas luces a Serrat que a Bisbal, cada uno tiene un estilo y hay que ser camaleónico en ese sentido, saber adaptarte a todos los estilos musicales o teatrales.

¿Cuál ha sido tu proyecto o gira favorita en la que has trabajado y por qué?
La primera Gira de Serrat y Sabina, Dos Pájaros de un tiro, ahí tuve mucho que decir en toda la puesta escénica y audiovisual y trabajé la escenografía con mi compañero y amigo Miguel Brayda que nos dejó hace 7 años. Trabajamos la primera propuesta con un resultado maravilloso.

¿Qué consejo le darías a alguien que está empezando en el mundo de la iluminación?Que busquen oportunidades no solo en España, sino también en el extranjero, estando bien preparados, podemos competir en cualquier parte del mundo. Tener un buen nivel de inglés es importante.

Finalmente, después de más de treinta años en la industria, ¿qué será lo siguiente para Oscar Gallardo?
Eso es una incógnita, en un futuro no lejano tener éxito con el musical de Frida y terminar mi carrera en la Complutense. Irme cerca del mar en cuanto pueda y disfrutar de mi familia y de mis perros.